Letter to Self é o primeiro álbum dos irlandeses SPRINTS. Lançado a 5 de janeiro de 2024, já tem conquistado críticas muito positivas por parte da crítica. Foi gravado nos Black Box Studios, situados no Val de Loire, em França, em apenas doze dias. E, de facto, a rapidez com que foi gravado está de acordo com a velocidade e energia das suas canções, que ilustram bem os géneros musicais que representam: o rock alternativo, o garage rock e o post-punk.
Os SPRINTS destacam-se pela independência, pela honestidade, significado e fúria presentes nas letras e na voz de Karla Chubb. Como diz a cantora, guitarrista e compositora, o álbum Letter to Self foi uma tentativa de perceber tudo aquilo que tem acontecido na sua vida de maneira a poder seguir em frente, focando-se especialmente naquilo que tem sido a sua luta contra a ansiedade.
De facto, Letter to Self parece querer contar-nos uma história, que começa com as canções “Ticking” e “Heavy”. “Ticking” é o tema de abertura e a representação da própria ansiedade, retratada tanto através da distorção das guitarras como através das suas letras. É como se, logo de início, o ouvinte entrasse dentro da cabeça da cantora e fosse confrontado com as suas dúvidas sobre assuntos triviais (por exemplo, “Maybe I should try to do it better. Maybe I should try just harder. Maybe I should check the weather”). Contudo, depressa percebemos as questões banais da vida quotidiana rapidamente se transformam em angústia existencial. A angústia existencial é retratada pela repetição da pergunta “Am I alive?“. Tal faz-nos questionar se é realmente assim que queremos viver, o que introduz o ouvinte à verdadeira intenção da compositora: ao criar este álbum, o seu propósito é encontrar um meio de viver livre de toda a espécie de preocupações.
No entanto, as preocupações não desaparecem facilmente. “Heavy”, a segunda canção, fala-nos sobre a ansiedade de querer acabar depressa algo desagradável, assim como sobre claustrofobia e as dores físicas por ela provocada, como suor, tonturas, insónia e apneia:
“I’ve a simple idea, I’m going to make it stickI wanna say this fast, I wanna do this quickIt goes one, two, three, it goes one, two, threeI’ve got a simple idea, I’m going to make it stickI wanna say this fast, I wanna do this quickIt goes one, two, three, it goes one, two, three
Do you ever feel like the room is heavy?Do you ever feel like the room is heavy?Do you ever feel like the room is heavy?Do you ever feel like the room is heavy?Like the air is hot, and the air is sweaty?Do you ever feel like the room is heavy?
And I can’t sleepAnd I can barely breatheAnd I’m watching the world go around the window beside me”
Precisamente para demonstrar o quão incapacitante pode ser, o tema da insónia é recorrente neste álbum: é revisitado na canção “Shaking Their Hands” e na canção “Can’t Get Enough of It”. Em “Shaking Their Hands”, contam-se os minutos até o despertador tocar. Quanto mais se contam os minutos, mais tempo parece faltar e mais angustiante tudo se torna, partindo-se, mais uma vez, do cansaço provocado pelas trivialidades da vida para a angústia existencial dolorosa (“It’s been a long day. It’s been a long night. It’s been a long life“). Já em “Can’t Get Enough of It”, reitera-se a ideia do inferno provocado por esta condição através da repetição da frase “This is a living nightmare/And I am living so scared”. Em “Heavy”, a pressa de sair destas situações e o desespero que provocam são representados pelos ritmos rápidos na guitarra e pela voz, que grita na esperança de se superar. Já em “Shaking Their Hands”, temos um tema mais lento e uma voz mais contida, mostrando que o mesmo desespero pode ter vários formatos: tanto pode tomar a forma de um grito de desespero, como de um suspiro de cansaço. Por outro lado, “Can’t Get Enough of It”, as pausas na voz reforçam a ideia da incapacidade de falar perante o pesadelo provocado pela ansiedade e a insónia. No entanto, neste tema, a voz vive de contrastes e de surpresas: por um lado, começa mais hesitante e assustada, e, por outro, quando pronuncia “I still shiver every time I hear the door shut/I still quiver every time I hear your name”, demonstra raiva e intensidade, como que dizendo que não se deixou abater por completo.
Apesar do tema da insónia e da claustrofobia estarem muito presentes em Letter to Self, ainda há lugar para outras discussões. Por exemplo, “Cathedral” é um tema com alguns traços de noise rock que se revolta contra a religião de culpa que a igreja católica impõe aos seus fiéis. É um pedido de desculpas às figuras da mãe e do pai, centrais no catolicismo, por ter vontade de escolher um caminho de felicidade em detrimento de um caminho de dor e culpa. A partir desta canção, percebemos que também a culpa em excesso contribui para a ansiedade da compositora, e que muitas vezes o seu sofrimento é desvalorizado: há sempre que parecer feliz, por muito más que sejam as suas circunstâncias (“They say I’ve gone cold while I’m sat drowning in the gutter”).
Um outro tema também importante em Letter to Self é o tema do amor. O icónico tema “Adore Adore Adore” fala sobre a incerteza quanto a ser-se amado e sobre ser-se incompreendido. Mais precisamente, é sobre ouvir mais vezes que se é louco do que bonito, sobre a impossibilidade de agradar, sobre o desespero que advém quando tentamos mudar quem somos (“I can’t see what I’m feeling/ I can feel that I’m sinking/ Yeah, the water is freezing/ And I wanna go“). No entanto, ainda dentro do tema do amor, há uma canção que contrasta com todos estes sentimentos mais pesados e negativos: “Literary Mind”. Esta canção traz-nos uma certa alegria e alívio, na medida em que funciona como uma ode ao ato de se apaixonar. No entanto, apesar da sua leveza e exaltação, não deixa de ter um significado profundo: neste caso, é sobre duas mulheres que se conhecem, formam as suas primeiras impressões, e que se apaixonam, sem medo das convenções. É uma canção que vem, talvez, em linha com “Cathedral”, sendo clarificada aqui a motivação para encontrar uma felicidade diferente da imposta pela igreja. Além de todas estas questões, é particularmente interessante a forma como a admiração que uma das mulheres sente pela outra é descrita, uma vez que, para isso, se criaram novos conceitos: o de uma pessoa com uma “literary mind” e um “literary look“. Realmente, conseguimos imaginar o significado disto, mas temos dificuldade em expressá-lo. É como se, como diz a letra, uma definição de uma pessoa assim não coubesse no espaço limitado de uma página nem na imensidão de um livro.
Por último, o álbum termina com a canção sua homónima. Foi, de facto, uma escolha interessante para fechar este ciclo de desespero, destruição, raiva, revolta, e até amor: isto porque afirma, com grande determinação e orgulho, as diferenças entre aquilo que é considerado correto e a vida da compositora. Afirma a sua autoaceitação perante uma sociedade que não aceita o seu corpo, a sua noção de felicidade, a mulher que escolheu para companheira, a sua vida no geral. No fundo, é como se a música aceitasse que os outros nunca aceitarão facilmente quem escolhe um caminho diferente do esperado, e que o que importa é estar vivo. Que estar vivo é fazer escolhas. Que aquilo que é normal é uma questão de hábito, e que os hábitos se criam. Termina, apesar de todo o sofrimento, numa nota muito positiva: “Any night can become day“. Tudo isto é dito como num sussurro, como se fosse a voz da nossa consciência a escrever-nos uma carta que nos diz para continuar. E continuaremos à procura da nossa catarse.
